在當代藝術發生和發展之前的20世紀60年代和70年代，政治，經濟和文化正發生著巨大的變化。世界大戰的結束，美蘇冷戰升級，柏林墻的推倒和冷戰結束，和平年代的到來，太空探險的成功、古巴導彈危機的形成和解除、中美建交成功、越南戰爭結束，水門事件的始末，同性戀、搖滾樂、嬉皮士等等，民眾厭戰要求和平，經濟在波浪中上升，政治上取得了一系列進展的美國在文化上并沒有表現出太多的樂觀，反之，有了更多的時間人們對當代社會產生了懷疑和迷惘，藝術家們對社會和文化進行深入的探索和認識，他們反對現有的秩序，反對現存秩序得以建立和維持的中心主義。當代藝術注重新的觀念，體現邊緣文化，表達非中心思想的藝術藝術傾向，提倡女性主義，后殖民主義，少數民族藝術，黑人藝術，同性戀藝術、涂鴉藝術，行為藝術，表演藝術，街頭藝術，電腦藝術等等，這些新現象在過去都不是主流藝術。美國當代藝術因政治訴求而仍以觀念為主導，藝術視野更加開闊，觀念的表述也不再局限于視覺藝術。由此，在21世紀頭十年的中期，以美國當代藝術為代表的西方藝術得以第二次重新定義“藝術”的概念，并與歐洲當年的達達主義和杜尚的第一次重新定義遙相呼應。也正是由于對藝術概念的重新定義，以及至今還沒有公認的新定義，對于今天美國的當代藝術，我們只能描述為文化研究之后的思想反省、以觀念為導向。今日美國藝術并無主流，只有多種傾向，這就是多元化、反后現代、恢復中心等等。

今天的美國當代藝術，難以用“主義”之類老舊的術語來概括，而對美國當代藝術的生態與現狀，也很難用“流派”之類傳統術語來敘述。因此，無主流即是主流。就當下情況而言，學者們所能做的，是使用描述性的語言，來進行個案研究。到了上世紀八十年代，美國藝術回到繪畫上來。這里面的原因很多，出除了當時的藝術觀念：藝術已沒有新的東西可言以外，還有一個深層次的原因，就是美國經濟的發展，美國收藏界對藝術投資促使藝術回到傳統繪畫上來。八十年代美國藝術出現了一系列冠以”新”字的流派，但它們都是過去流派的重演。如：以施耐貝爾為代表的新表現主義;以巴斯奎爾德為代表的涂鴉藝術;以PeterHalley為代表的新的抽象藝術;以CindySherman為代表的新觀念藝術;以JeffKoon為代表的新波普。這些“新”的流派，它們的特點：不是線性的，具有自省性格，以非價值為價值。出現這些現象的原因是美國藝術在為六十至七十年代已被改選過。若要對眼下正發生著的藝術事件，進行宏觀的歷史的總結與概括，不僅困難，而且危險，因為學者們身在其中，無法做到歷時的客觀，可能會有錯誤的判斷。

對美國當代藝術的敘述，強調一個世紀的歷史感，而對近30年的時段劃分，為最近十年的美國當代藝術的文化取向，提供一個歷時的語境。在現代藝術向當代藝術過渡的過程中，現代藝術的抽象主義在第二次世界大戰以后盛行二十年，逐漸向美國抽象表現主義AbstractExpressionism發展，剛開始這一以紐約為中心的藝術運動被稱為紐約畫派。抽象表現主義一詞是因為1946年美國畫家阿希爾·戈爾基ArshileGorky的作品而成的慣用語。涉及從抽象過渡到抽象表現主義的藝術家主要有：康定斯基W.Kandinsky，彼特·蒙德里安P.Mondrian，卡濟米爾·謝韋里諾維奇·馬列維奇K.C.Malevich，弗朗索瓦·庫普卡F.Kupka，保羅·克利P.Klee，埃爾·利西茨基El Lissitzky，弗蘭克·斯特拉FrankStella，杰克遜·波洛克JacksonPollock，威廉·德庫寧Willemde Kooning，羅伯特·馬瑟韋爾RobertMotherwell，阿道夫·戈特利布(AdolphGottlieb)，威廉·巴齊奧蒂斯WilliamBaziotes，馬克·羅思科MarkRothko，克利福德·斯蒂爾ClyffordStill，菲利普·加斯頓PhilipGuston，弗蘭茨·克萊恩FranzKline，賈斯珀·約翰斯JasperJohns等等。在紐約和蘇黎世兩地創作的烏果·榮迪倫(UgoRondinone,1963-)，他也用攝影和影像來記錄自己的行為表演。但他與巴爾尼有所不同，他在時空的維度中偏向空間，其行為傾向于共時的呈現而非歷時的敘述。再者，他的行為場所多在展廳室內，因而直接展示多于借助影像的間接展示。就思想性而言，他的行為與其說是觀念的，不如說是心理的，因為這位藝術家關注生存體驗與記憶的關系，強調行為的詩化處理和視覺的審美效果，以及共時空間的再現，于是行為的時間過程被轉化成空間裝置的展示。

這類藝術家中當然也有走向室外者，如前述生于伊朗的紐約女藝術家內夏特，其作品有較強的政治觀念，而且更強調時間的敘事特征。到20世紀后期，攝影與影像都進入了當代藝術，或者說當代藝術中出現了攝影與影像的跨界新樣式。美國前輩女攝影家辛蒂·雪曼(CindySherman,1954-)的化妝攝影，不僅將攝影與影像合一，更與行為和裝置合一，其觀念與方法都延續到了21世紀。早在20世紀末，加拿大攝影就在西方當代藝術中獨樹一幟，到21世紀初，加拿大攝影更走在了西方當代藝術的前列。這時期的攝影與影像更是貫通一體，并在貫通中體現出兩大藝術傾向：擺拍與抓拍，前者強調人為，后者強調天然，呼應了電影中故事片與紀錄片的不同，也揭示了電影進入當代藝術的演變趨勢。

攝影術的產生與繪畫密切相關，加拿大前輩攝影藝術家杰夫·沃爾(JeffWall,1946-)與紐約的辛蒂·雪曼一樣都是擺拍的大師，但杰夫·沃爾的作品有繪畫史的指涉，要么戲仿歐洲名畫，要么戲仿日本浮世繪，并追求戲劇化效果。紐約后起的攝影藝術家克魯德遜(GregoryCrewdson,1962-)也屬這一路，但不同之處在于，他刻意擺布不可能的超現實場景，并制造真實的外觀，從而在反差中獲得荒謬感。例如，他的代表作《奧菲利亞》就擺布了莎士比亞戲劇中女主人公落水而死的舞臺場面，但攝影中的奧菲利亞不是失足落水，而是倒斃于客廳，地面只漫著一層淺淺的漏水，不可能淹人致死。生于東京旅居紐約的女藝術家森萬里子(MarikoMori,1967-)更往前走了一步，她擺拍的場景有如設置道場，將攝影、影像同裝置、行為合而為一，表達超驗和出世的意愿，代表作有《欲望之火》、《外星浪潮》等。與人為擺拍相反的是當下流行的“無表情美學”，即用照相機客觀記錄雙眼所見的真實場景，只抓拍天然的物象和場面，不摻加藝術家的想法和感情，而實際上藝術家的思想感情和態度卻不動聲色地暗含其中。這類攝影的代表人物是加拿大多倫多的藝術家伯汀斯基(EdwardBurtynsky,1955-)，其作品貌似大場面的風光攝影，實際上拍攝的卻是人類活動和工商業發展對自然環境的破壞。換言之，他的攝影是環保和生態題材，具有較強的批判性，其觀念在于人與自然的關系，但作品卻給人客觀冷靜的外貌，似乎毫無表情。這種無表情的攝影，也引入到影像和電影中，例如伯汀斯基拍攝的同一主題記錄片《人造風景》。

美國洛杉磯的女攝影家莎龍·拉卡特(SharonLockhart,1964-)也是無表情的，但她拍攝人物，從人物的冷峻中，透露自己的隱蔽表情。由于人物的介入，無表情美學不得不成為刻意的布置，而拉卡特的刻意之處卻在于她對結構主義理論的不露痕跡的引用，也就是在攝影中探討人物作為能指和所指的雙重身份。這一美學理論特征，也出現在她的影像作品中。影像與攝影的基本區別在于前者的時間性和后者的空間性，但前者的時間性來自后者的空間延續，故有活動圖像之稱。美國洛杉磯藝術家多格·埃肯(DougAitken,1968-)利用并發揮了這一特征，在分割且連接的室內空間里，用播放影像的方式來制作大型裝置，在固定空間中求取活動空間，探索靜止圖像與活動圖像的時間性。生于英國現居紐約的藝術家道格拉斯·戈登(DouglasGordon,1966-)和生于南非現居紐約的女藝術家肯蒂絲·布雷茲(CandiceBreitz,1972-)也有類似的藝術探索，但在空間與時間的轉換中，他們將影像裝置和攝影繪畫并置起來，探索各自的形式邊界，以及跨界融合的可能性及其方式。在這一切探索中，都暗含著一條潛在的線索，即視覺敘事，這是影像藝術的主要特征，也是當代觀念藝術的一大特征。

總之，當代藝術使更多的人們對當代社會產生了懷疑和迷惘，藝術家們對社會和文化進行深入的探索和認識，反對現有的秩序，反對現存秩序得以建立和維持的中心主義。當代藝術的變遷方向是注重新的觀念，體現邊緣文化，表達非中心思想的藝術藝術傾向。

責任編輯：麥穗兒